21-11-2019

Column: De kunst gaat ondergronds, De Balie 11 December 2019

De kunst gaat ondergronds


Op 20 maart 1961 hield Marcel Duchamp een lezing in het Philadelphia Museum of Art, getiteld ‘Where do we go from here’? In deze lezing vroeg Duchamp zich af waar ‘de jonge kunstenaar van morgen’ heen zal gaan en waar de kunstenaar zijn werk op zou baseren. In ieder geval niet langer, zo zei Duchamp, op een zo simplistische filosofie als het dilemma van representatie en non-representatie, of figuratie en abstractie. Hij betoogde dat de kunst verworden was tot een gigantische artistieke productie die bepaald werd door vraag en aanbod en waarbij het kunstwerk een commodity, zuivere handelswaar, geworden was; het kunstwerk als “een standaard product, zoals zeep, of een veiligheidsmaatregel”. Dit had geleid tot een verwatering van artistieke waarden en tot een grote middelmatigheid van de kunst. Duchamp sprak de hoop uit dat dit in de toekomst zou leiden tot een revolutie in de kunst. Hij doelde daarmee op een “ascetische revolutie”, waar het grote publiek zich niet bewust van zou zijn. Een revolutie die zich zou afspelen in de marge van een kunstwereld die verblind is door “het vuurwerk van de de economie”. En Duchamp concludeerde: The great artist of tomorrow will go underground.

Duchamps analyse van wat er mis was in de kunstwereld was, zo weten we, volkomen juist. De dominantie van economisch denken is sinds de vroege jaren zestig alleen maar toegenomen en heeft in ons neoliberale bestel voor de kunst wanstaltige proporties aangenomen. Tegenwoordig verwacht de Nederlandse overheid van de kunstenaar niets anders dan dat zij opereert als een cultureel ondernemer, en eist dat de economische en zogenaamde innovatieve impact van het kunstwerk direct kan worden aangetoond. Let wel: innovatie betekent niets anders dan het oplossen van maatschappelijke problemen. Kunst als oplossing van bijvoorbeeld problemen in de gezondsheidszorg of als concrete bijdrage veiligheid in de openbare ruimte.

Wat mij altijd geïntrigeerd heeft was: wat zou Duchamp bedoeld hebben met die ‘ascetische revolutie’? En wat zou hij bedoeld kunnen hebben met de voorspelling dat “de grote kunst van morgen ondergronds zou gaan”? Hoe ziet dat soort kunst er dan uit en waar speelt die zich af?
Toen ik op 17-jarige leeftijd besloot om kunstgeschiedenis te gaan studeren doorzag ik zelf niet precies alle redenen van dit besluit. Maar achteraf bezien was de belangrijkste drijfveer: een verlangen naar vrijheid en een drang tot zelfbevrijding. Zelfbevrijding uit de knellende kaders van een streng godsdienstige opvoeding en van een verzuilde maatschappij. Ik zocht een andereeen vitale verbinding met de wereld. Een verbinding die niet bepaald werd door wetten en regels, maar die geworteld was in een concrete, directe, zintuigelijke ervaring van de dingen om mij heen.
En die bevrijding vond ik ook. Weliswaar niet onmiddellijk. Het neemt veel tijd om te leren kijken, en om te begrijpen hoe je naar een kunstwerk kan kijken, wat je ervan mag verwachten, hoe een gesprek tussen jezelf als beschouwer en het kunstwerk tot stand komt. Het kunstwerk heeft een eigen tijd waar je in kan verwijlen, aan andere dan de ‘gewone’ tijd die doorgaans gevuld wordt met doelgericht handelen. Die eigen tijd van het kunstwerk bestaat voor de duur van het gesprek tussen jou en het werk. Ik ontdekte hoe een tentoonstelling, een oeuvre, een kunstwerk letterlijk toegang biedt tot een nieuwe, een andere wereld die je zonder dat kunstwerk nooit zou hebben leren kennen. Kunst biedt bevrijding uit de eigen gekende kaders en de eigen aannames. Kunst is vrijheid en betekenisgeving. Kunst gaat over de grote vragen van onze tijd.

In 2015 publiceerde de Belgische filosofe Isabelle Stengers het boek In Catastrophic Times. Resisting the Coming Barbarism (2015). In dit boek, dat eigenlijk meer een manifest is, windt Stengers er geen doekjes om: we leven in een katastrofale tijd, en de barbarij gaat zeker komen. Met katastrofen doelt Stengers op de groeiende sociale ongelijkheid, op de opwarming van de aarde, en de wereldwijde ontwrichting die daarop volgt, met migraties van hele bevolkingsgroepen die veroordeeld zijn tot een bestaan in de marges van de samenleving. Zij doelt ook op de nachtmerrie van een staat die alle verantwoordelijkheid voor onze toekomst uit handen heeft gegeven aan een roofzuchtig kapitalisme. Haar boek is een oproep aan ons allen, en zeker aan wetenschappers en kunstenaars, om na te denken over de vraag hoe we een toekomst kunnen creëren waarin we de barbarij het hoofd bieden.
Stengers identificeert een aantal boosdoeners voor de katastrofale tijd waarin we leven. In de eerste plaats de Staat, die burgers niet langer de veiligheid biedt die burgers tot niet zo lang geleden zochten bij de staat, een staat die onder het mom van veiligheid de privacy van burgers aantast en bedreigt (denk bijvoorbeeld aan de commotie rond kwestie SyRI: Systeem Risico Indentificatie). Een andere boosdoener is de kenniseconomie.
Kenniseconomie is de her-orientatie van publiek onderzoeksbeleid door samenwerkingsverbanden met de industrie als een centrale voorwaarde te stellen voor het financieren van het onderzoek (waarbij de resultaten van het onderzoek toekomen aan de industrie, die zich daarmee publiek toeëigenen en zich ook toeëigenen wat eerst een relatieve autonomie had, denk aan fundamenteel onderzoek). De openbaarheid van het onderzoek, en van het publieke debat, staan hiermee op het spel.
Een derde boosdoener: de Entrepreneur. De Entrepreneur eidst de vrijheid op om alles te transformeren tot mogelijkheid voor het maken van nieuwe winsten, ook wanneer dit een bedreiging is voor een onze samenleving (denk aan Nutellawinkels of de zaadproducent Monsanto).

Dit is de context waarin kunstenaars, zeker in Nederland, het hoofd boven water moeten zien te houden. Zij delen een aantal dilemma’s met wetenschappers, zoals het gegeven dat onderzoek en kunstpraktijk uitsluitend gewaardeerd wordt in termen van financiële winst.

Waar was het ook weer om begonnen in de kunst? Om vrijheid en onafhankelijkheid. Het is een vrijheid die grote verantwoordelijkheden met zich meebrengt, omdat de vrijheid van de kunst uiteindelijk ten dienste staat van waarheid. Dit mag misschien achterhaald klinken, in onze ‘post-truth era’ waar iedereen kan roepen wat hij wil en er op los kan liegen. En wie het hardst roept heeft gelijk.

Maar zo werkt het niet in de kunst.

En zo begrijp ik nu Duchamps uitspraak over de kunst die ondergronds gaat. Kunstenaars trekken zich terug uit een openbaarheid waar geen plaats meer is voor onafhankelijkheid en waarheid, en waar de waarde van alles wordt gedefinieerd als economische waarde. Kunstenaars gaan ondergronds door geen objecten meer te produceren in een wereld die al veel te vol is (bijvoorbeeld door vluchtige, eenmalige kunstwerken te maken, denk aan performances.) Zij gaan ondergronds door af te zien van een persoonlijke signatuur, en door tentoonstellingen samen te maken met anderen (die de tentoonstelling van Jeanne van Heeswijk in BAK in Utrecht), door samen te werken in collectieven. Ze gaan ondergronds door af te zien van auteursrechten, en door nieuwe kunstvormen te ontwikkelen waarbij het eerder over het ontstaans- en het denkproces gaat en over het delen daarvan, dan om een concreet eindproduct.
Als de kunst ondergronds gaat, hoe kunnen wij die dan zien, ervaren? Het vraagt van ons dat we oplettend zijn. Dat we alert zijn en aandacht besteden aan wat er gaande is en waar er iets gaande is. Dat we niet klakkeloos consumeren wat ons voorgeschoteld wordt door grote kunstinstellingen en musea en dat als leidraad nemen. Dick Raaijmakers, een belangrijke maar in Nederlands zeer onderschatte kunstenaar/componist/onderzoeker, omschreef ooit zijn werkwijze al als volgt:” Ik graaf gangen onder de grond en steek af en toe voorzichtig mijn hoofd boven de grond. Hallo, hier ben ik! Als ik een klap op de kop duik ik weer onder, graaf verder, en probeer het ergens anders nog een keer. Dan krijg ik weer een klap op de kop, en trek mij weer terug. Totdat de zin of het belang van mijn werk ergens uiteindelijk wordt herkend, er iemand is die met mij mee wil denken, en ik bovengronds iets kan laten zien”.
Dit is wat ik zie nu gebeuren in de kunst. En het stemt mij hoopvol. Want om de komende barbarij het hoofd te bieden moeten we nieuwe kunstpraktijken en nieuwe manieren van samenwerken uitvinden die ontsnappen aan de desastreuze eis van permanente economische groei en competitie. Kunstenaars zijn op zoek naar nieuwe, inspirerende manieren van handelen, voelen, verbeelden en denken die ons ten voorbeeld kunnen dienen.

05-11-2019

Presentation Amsterdam, 11 november 2019

Maakt Kunst ons Mens? 
De Balie, Amsterdam
11 november 20.00 uur
https://debalie.nl/agenda/mens-kunst/ 


Computers staan op het punt om onze menselijke geest te overtreffen. Dat kunnen we nog wel hebben als het om harde wetenschap en cijfers gaat; dan mogen computers ons wel te slim af zijn. Maar creativiteit en kunst, domeinen die drijven op intuïtie, die zijn toch exclusief verbonden aan onze menselijke geest? 


Zolang er mensen zijn, is er kunst gemaakt. In dit programma gaan we in gesprek over de noodzaak van kunst voor de mens, hoe je als kunstenaar maar ook als kijker ‘het sublieme’ kan ervaren en of het maken van échte kunst iets is dat de technologie niet of nooit zou kunnen bereiken. Tijdens de vierde aflevering van Wat Maakt Ons Mens onderzoeken we: is kunst wat ons mens maakt?

Sprekers:
Janneke Wesseling is hoogleraar aan de Universiteit Leiden, waar zij leiding heeft aan een instituut voor Onderzoek in de Kunst (PhDArts), en lector kunst en onderzoek aan de Koninklijke Academie van Beeldende Kunsten in Den Haag. Ook schrijft zij als kunstcriticus voor NRC Handelsblad.


Joke Hermsen is schrijfster en filosofe. Tijd, liefde en herinnering zijn terugkerende thema’s in haar werk. Ook belicht zij de verhouding tussen kunst, politiek en filosofie. Daarnaast was zij jarenlang lid van kunstcommissie van ARTI en was zij de curator van de internationale expositie ‘Het juiste ogenblik’ op Kasteel van Gaasbeek in 2017.

Calliope Tsoupaki is onze Componist des Vaderlands. Tsoupaki, Griekse van geboorte, emigreerde in 1988 naar NL en groeide vervolgens uit tot een van de meest spraakmakende componisten van ons land. Als componist van nieuwe klassieke muziek wil ze midden in de samenleving staan en een breed publiek bedienen. In haar ogen kan muziek iets over de mens zeggen, wat op een andere manier niet gezegd kan worden. Haar werk staat haaks op de industriële machine en de ontmenselijking die dit in de huidige tijd maar al te vaak tot gevolg heeft.

Johan Tahon is beeldhouwer. Tahon woont en werkt in België en Zwitserland. Hij studeerde beeldhouwkunst aan de Koninklijke Academie voor Schone Kunsten (KASK) in Gent. 


Wat Maakt Ons Mens
In 2019 start De Balie in samenwerking met Kerk en Wereld de serie ‘Wat Maakt Ons Mens’. Daarin vraagt De Balie kunstenaars, politici, schrijvers en andere denkers deze vraag te beantwoorden vanuit hun eigen discipline. Zij spreken zich n.a.w. uit over ‘de scheppende mens’, ‘de stervende mens’ en ‘de heroïsche mens’.

28-02-2019

Save the Date: Making Matters Symposium

9+10 May 2019
Making Matters
Bridging Art, Design and Technology through Critical Making

We are excited to announce the two-day symposium Making Matters, organised by the Critical Making consortium. The symposium takes place from 9-10th of May at West Den Haag, Lange Voorhout 102 in The Hague.

With the NWO funded research project ‘Bridging Art, Design and Technology through Critical Making’, the consortium investigates how the concept of Critical Making can be developed further within the context of artistic research and (post)critical theory.

The symposium offers a platform for interdisciplinary exchange, proposing to widen matters of making from maker culture to a wider set of creative practices that problematise the narrow focus on solutions in contemporary techno-creative industries.

Confirmed speakers include:

Ramon Amaro
Liesbeth Bik
ginger coons
Florian Cramer
Jeremiah Day
Jaromil, Dyne
Baruch Gottlieb
Anja Groten
Pia Louwerens
Shailoh Phillips
Dani Ploeger
Femke Snelting
Janneke Wesseling

Partners:

PhDArts / ACPA
Creating 010
Waag Society
West Den Haag
Het Nieuwe Instituut

15-10-2018

PhDArts conference, 18/19 October 2018

Celebrating 10 years PhDArts
How do we establish, sustain and nourish a vital research culture in the arts?

To mark the ten-year anniversary of PhDArts, the Academy of Creative and Performing Arts (ACPA) and the University of the Arts The Hague organize a two-day conference. The conference committee is chaired by Janneke Wesseling (director PhDArts).

Over the past 20 years, artistic research has steadily gained ground as a new research discipline in The Netherlands. PhD programs in artistic research have been established or are being developed, in a collaborative effort between universities and art schools. With this conference, PhDArts aims to address ways to consolidate, sustain and nourish a research culture in the arts on a national level. The conference will comprise artistic presentations by researchers from a broad spectrum of disciplines enrolled at 3rd level educational institutions across the country, as well as two keynote lectures on the topic of the conference, break-out groups and artistic presentations by ACPA PhD candidates and alumni.

The aim is to gather experiences and insights from all parties involved in the field, to foster interdisciplinary collaborations between universities and art institutions nation-wide and to build a community that stimulates collaborations between colleague institutions and their different initiatives.

For more information visit the conference event page or see the programme book, with an introduction by Janneke Wesseling.

18-04-2018

Conference presentation Basel, 17 May 2018

Janneke Wesseling will give a presentation at the conference Critical By Design? The Potentials and Limitations of Materialized Critique, on 17-18 May 2018 at the Academy of Art and Design FHNW in Basel, Switzerland. This two-day international research conference on the capacity of design as a mode of critique offers a unique platform for the interdisciplinary discussion of critical theories and practices from a design perspective. Renowned experts from design theory, history and practice, the philosophy of technology, the art, cultural and media studies as well as the field of human-computer interaction come together to reconsider historical trajectories, advance contemporary understandings and propose future developments of design as a materialized form of critique.

In her lecture 'The device paradigm: contemporary practices in art and design', Wesseling will focus on the concept of 'device paradigm' as developed by the American philosopher Alfred Borgmann in his Technology and the Character of Contemporary Life. A Philosophical Inquiry (1984). The device paradigm locates the crucial force that more and more detaches us from the persons, things, and practices that used to engage and grace us in their own right. The more, or the more effectively, the device yields its commodities, the less visible, or present as a thing it is. This necessarily leads to a loss of engagement with the world, while at the same time the commodities become evermore shallow. What does the device paradigm mean for contemporary art and design practices? And vice versa, what can be the role of art and design in this technology driven world?

21-12-2017

Conference presentation Bilbao, 11 January 2018

On Thursday 11 January 2018 Janneke Wesseling will give a key lecture at the Subjectivity in practice-based artistic research conference at the University of the Basque Country in Bilbao, Spain. The conference is organised as part of a larger programme ''laSIA - sujeto, investigación, arte'' (subject, research, art) subsidised by the University of the Basque Country. The goal of this project is to explore the research dimension of artistic practice. See the project website for more information.

In her conference presentation ''Artists and Academia'', Wesseling focuses on the the position of artists in academia, which is by no means self-evident. How do artists do research and why would it be called research? How does their research relate to academia? Wesseling will discuss dilemmas and outcomes of artistic research by means of two completed PhD trajectories in artistic research, of artists Lilo Nein and Ruchama Noorda. Other key speakers are Mika Elo, professor in Artistic Research at the University of Arts of Helsinki, and Mafe Moscoso, interdisciplinary reseacher and artist.

06-11-2017

Kickoff Critical Making research project

The newly launched NWO funded research project ‘Bridging art, design and technology through Critical Making’ aims to interrogate Critical Making by experimentally applying it to a broad range of artistic practices. The project will investigate to what extent Critical Making can serve as a comprehensive concept for design, technology, education and activism intersecting with critical contemporary art practices and artistic research. The consortium received a half million euros grant for the project from the Netherlands Organisation for Scientific Research (NWO) as part of the research programme Smart Culture – Art and Culture.

About the consortium
In this project, main applicant Prof. Dr. Janneke Wesseling (Leiden University) and co-applicant Dr. Florian Cramer (Rotterdam University of Applied Sciences) have joined forces with Klaas Kuitenbrouwer (researcher and programme developer Digital Culture at Het Nieuwe Instituut), Lucas Evers (leading Waag Society’s Open Wetlab and Open Design Lab) and Marie-José Sondeijker (director of West Den Haag). In addition, designer, researcher and Hackers & Designers co-founder Anja Groten and media artist, researcher and educator Shailoh Phillips have recently joined the team as PhD candidate and junior researcher respectively. Candidates for two other positions will be recruited in early 2018.

Programme
The consortium will organize a series of Critical Making workshops with art and design students and teachers in several Dutch art schools, including Willem de Kooning Academy Rotterdam and the Royal Academy of Art (KABK) in The Hague. Furthermore, various public presentations, a national and an international symposium will be organized. At the end of the project, the project outcomes will be disseminated through a peer-reviewed, open access, hybrid paper and electronic book. If you would like to stay informed about these developments and the programme, please send an email to info@phdarts.eu or visit the project website at www.criticalmaking.nl.